Epitelios

Personajes basados en el Epitelio de transición (pared de la vejiga urinaria de una rata), los cuales utilicé para una animación.

Liniers en Chile!

Les presento mi primer libro de Liniers Macanudo, firmado por el mismo ilustrador, artista y dibujante de cómics argentino Ricardo Liniers :)!. (Librería Catalonia)
Creo que por primera -y última- vez espero por el autógrafo de alguien -a no ser que sea Jhonen Vázquez-. Me sentí como un ñoño coleccionista de tazos o algo así. Sí, sí, lo admito, cuando chica en algún momento los junté.



Y aquí uno de los millones de sus cómics...

Libro-objeto Samurai

Libro-objeto para el ramo de Tutoría III.

A cada grupo (3) se le designó una etnia, de la cual se realizó varias investigaciones en cuanto a indumentaria, artesanía, música, etc. Luego, individualmente, codificar todo esto en:
- Paleta cromática
- Trazo
-Ornamentos
-Escritura
-Volumen
-Patrones

Yo me abstraje un poco... y "caricaturicé" el Arte del Bonsái y la pintura del bambú. Los japoneses trabajan con la fragmentación de un todo.
El bambú caricaturizado es el que va narrando todo el contenido del libro... y claro, respetando los códigos anteriormente mencionados. Más que tanta metodología..... es captar la esencia, depende de uno cómo lo absorba e interpreta.
La verdad pasé por un bloqueo y crisis creativa respecto a este encargo -y es que en realidad, como me pasa con todos los encargos- , pero como bien dijo Picasso "la inspiración existe, pero debe encontrarte trabajando" ...... o en el ocio.

Materiales:

-Pañolensi.
-Cartón blanco.
-Broches
- Y un tipo de papel un tanto texturizado y que nunca supe cómo se llamaba... es tan buena la atención en Lápiz López.

Algunos bocetos -de cuando tuve todo más o menos claro-...

El libro mide 14 cm. x 12 cm.
Largo: 65 cm.




Y el libro-objeto finalizado...

Detalle del pañolensi...

El picanteríiiiiiio.

El Buen Gusto

Un encargo para el ramo de Animación. Son dibujos hechos a mano, pintados en Photoshop, y luego editados en After Effects. Bueno, hay muy pocos elementos movedizos.
Es mi primera animación, por lo que no es perfecto ni tiene grandes producciones y efectos :).

Música: Scott Joplin.

Pasantías

Nike V is for Victory, con Hugo Grisanti.


Mi segunda pasantía es con Marcela Trujillo. El proyecto trata de un mural en la Estación Mapocho de 7 x 3 mts que se realizará durante una semana en una valla publicitaria de PVC, desde el día viernes 5 de Junio al día viernes 12 de Junio. El proyecto es una campaña publicitaria del wiskey Ballantines donde participan destacados artistas visuales chilenos, cada uno tendrá una valla. Los murales estará expuestos durante dos semanas.

Aquí unas fotos del día I.







Y mi rostro como victorioso jaja.

Hmmm!

Cosas que inspiran...

Storyboard "La Cerdocracia"

Storyboard de una propuesta de fotonovela para el ramo de Animación. Se llama "CERDOCRACIA"; la venganza de los cerdos zombies contra la humanidad -respecto a la gripe porcina- .Finalmente terminan por dominar a los humanos...

También se puede interpretar como los cerdos capitalistas. Se dice que tal virus no es más que un simple negocio.....Ahora la gente corre a pagar para vacunarse, ja.

Faltan escenas...

Y aquí algunas escenas ya pintadas y otros nuevos personajes...

Crisis Vocacional

Últimamente he comenzado a tener una crisis vocacional... a dudar sobre si esto es lo que realmente quiero hacer; este semestre nos están pasando en el ramo de Tutoría III, todo lo que es la imagen de marca, producto de diseño, etc.

Tengo una visión muy crítica ante la sociedad, por lo que no estoy dispuesta a disfrazar la realidad o un objeto de consumo con una connotación optimista, solo para que pueda ser vendido y que así, tal empresa surja económicamente. Creo que no se puede pasar por alto la realidad social actual de manera cínica, incrementando aún más en ella; el consumismo, al imponer un estilo de vida falso a través de tal producto, y esto, a su vez, ha ido atrofiando la capacidad reflexiva y crítica del ser humano.
No me interesa integrarme a un circuito comercial. No puedo vender un chicle masticado envuelto, no me interesa. Me interesa mostrar el chicle bien masticado... hacer reaccionar, reflexionar. Como decía Alfredo Da Venezia: hay que hacerse cargo de la época.

Además, como persona, ya en sí reprimo muchas cosas... y con solo pensar en trabajar en ese ámbito, inmediatamente me produce una sensación de ahogo. El arte vendría siendo mi lenguaje, la manera en que me libero y me comunico de manera transparente, sin envolturas. Ya me es una necesidad....

Ahora, estoy en un proceso de analizar todo esto, ya que, si bien, en dirección de arte el campo laboral es muy amplio. Claro que, tal como en Audiovisual, el mundo sucio de la televisión es con lo que se gana dinero, lo que vende. En mi caso, así podría sustentar otros proyectos de mi interés. Pero creo que mi personalidad no lo toleraría.

Pedí autorización a la Coordinación de Artes Visuales para ir como oyente a ciertas clases, para ver si me acomoda, comparar, analizar y llegar a una conclusión al fin de este semestre para realizar el cambio. No es un cambio que pueda hacer drásticamente, hay que tomarlo con calma durante el proceso y meditar...

Animación y modelamiento digital

El encargo trata de rescatar códigos o recursos visuales de una revista desde 1900 hasta la década de los '80, con los cuales trabajaremos un nuevo concepto, pero siempre bajo el mismo código.
Yo escogí la revista Mecánica Popular (Marzo, 1954).

Forma y Espacio

Hoy, previo a presentarme en la primera clase de Taller de Comunicación Visual II (forma y espacio), dieron un "break", en el cual, dieron como referencia llevar un objeto al presentarse.
Yo llevé una hoja, y expliqué que mi modo de trabajo se basa en la observación en cómo está constituida la naturaleza, la perfección de sus formas, la simetría... para mi la simetría es armonía y belleza. Admiro profundamente la meticulosidad en que está constituida una hoja, una flor, y eso lo rescato para hacer mis trabajos, a eso se debe la minuciosidad con la que trabajo, partir desde y con lo más mínimo, seguir ese ritmo hasta terminarlo... como la acumulación de átomos forman un objeto. Aunque debo aclarar que, como en la asimetría en la que se basa el Art Nouveau por ejemplo, también alcanza esa armonía, imitando las formas orgánicas de la naturaleza, como si hubiera un paso desde la simetría a la asimetría, cómo desde el origen de una hoja pasa a constituir un objeto de formas libres, asimétricas....
-Cuando hablo de simetría no me refiero a un cuadrado, si no que a un equilibrio de las formas-.





Continuará, hay mucho ruido por acá.

By Liniers Macanudo

Derechos de autor: http://autoliniers.blogspot.com

Máscaras...

"Persona" quiere decir máscara, y cada uno tiene muchas. ¿Hay realmente una verdadera que pueda expresar la compleja, ambigua y contradictoria condición humana?

Siempre es terrible ver a un hombre que se cree absoluta y seguramente solo, pues hay en él algo trágico, quizá hasta de sagrado, y a la vez de horrendo y vergonzoso. Siempre llevamos una máscara, que nunca es la misma sino que cambia para cada uno de los lugares que tenemos asignados en la vida: la del profesor, la del amante, la del intelectual, la del héroe, etc. Pero ¿qué máscara nos queda cuando estamos en soledad, cuando creemos que nadie, nadie nos observa, nos controla, nos escucha, nos exige, nos suplica, nos intima, nos ataca? Acaso el carácter sagrado de ese instante se deba a que el hombre está entonces ante su propia e implacable conciencia.

¡Cuántas lágrimas hay detrás de las máscaras! ¡Cuánto más podría el hombre llegar al encuentro con el otro hombre, el supremo bien, si nos acercáramos los unos a los otros como necesitados que somos, en lugar de figurarnos fuertes! Si dejáramos de mostrarnos autosuficientes y nos atreviéramos a reconocer la gran necesidad del otro que tenemos para seguir viviendo, como muertos de sed que somos en verdad, ¡cuánto mal podría ser evitado!

[Fragmento de "La Resistencia" por Ernesto Sábato]


Al final terminamos buscando las máscaras de los otros.

Observar y traducir

Ya desligándonos por un momento del volumen, instalaciones y trabajo grupal , pasamos al concepto pantónico, el cual depende de la rotación (un cuerpo que se mueve sin que cambie su estructura) y translación de un cuerpo y la luz (sol). La primera parte del trabajo consiste en fijar un eje en el punto más alto de Santiago y desplazaremos la mirada desde este eje, desde el cual tomaremos el registro fotográfico en 180º (secuencia) y esto dará cuenta el pantón de la ciudad.

Fuimos al Teleférico (primera vez que iba...sufro de vértigo, pero me manejo psicológicamente así que lo disfruté harto).



Y es que en realidad somos unos mocos :).

Al llegar donde la señora virgen santísima... intenté cortarle la cabeza a Juan Cristóbal un rato...muajajaja.

Y la secuencia de fotos desde un eje.

Segunda parte

Observar Santiago desde ese eje, escoger un lugar, luego buscarlo en un mapa de Santiago.
Yo escogí el sector de la Penitenciaría, por el Centro de Justicia que lo divisé desde allá.
Cada uno fijó el lugar que escogió.

Luego ir a ese lugar y tomar 100 fotos que den a conocer todos los materiales empleados en ese lugar y cómo se combinan. Esto dará un color, que, por medio de este, dará a conocer el espíritu del lugar.

Tomé fotos de toda esa esquina. Subiré algunas fotos de los materiales del edificio.









Y el tío que es dueño de esa esquina. Le prometí que juntaría latas para su colección y la foto que le tomé.







Y Finalmente, la suma de todos esta materialidad, dará un pantón

Un paréntesis

Subiré un trabajo del ramo de Fotografía, quería subirlo a los costados de esta página, pero señor blogger se queja por todo y modificaba totalmente la imagen, así que haré un paréntesis aprovechando de subir el proceso.

El encargo era una serie de fotos de naturaleza muerta bajo un concepto. Aún doy vueltas al concepto, el cual existe y es donde siempre llego a ciegas...como a modo de inercia. Está en el recorrido hacia él. Supera hasta el asco y miedo (soy vegetariana. De hecho, amaría estudiar Gastronomía, pero no podría solo por el hecho de "manosear" y cortar carnes, huesos, cartílagos y demases. Pretendo estudiar eso más adelante, así que se tendrá que superar no más...jaja......claro que después de pasar por la Universidad del Cine de Bs As...já!).

Proceso

Materiales

· Cabeza de cerdo $2.700
· Sesos $1.000
· Guantes (no recuerdo el precio)
· Cartulina negra como "sin fin"
· Confort para tapar la nariz
· Una botella de vino para finalizar


Primero imaginé la foto de unas piernas introduciéndose en sesos, para eso utilizaría las piernas de una barbie o una muñeca...o sacarle una foto a las piernas a alguna amiga, para luego hacer una foto montaje, pero opté por lo más simple y manipulable, además, valoro más lo manual, que lata usar como soporte Photoshop.

Fui a un matadero que queda en Franklin -"entre con cuidado, mijita"-, busqué sesos, un señor amable partió el cráneo de cerdo con una máquina para pasarme los sesos, pero no lo acepté, porque era muy pequeño y poco manipulable, no se podía sacar del cráneo o, si se saca, tendría que romperlo.
Seguí buscando, hasta que encontré uno de vaca, el cual es más grande y más fácil de manipular.

Caminando por el matadero ví cabezas de cerdo, pasé de largo.
Sin querer -intencionalmente- pasé de nuevo por ahí...caminando al rededor de las cabezas...mirando de reojo...decidí comprar una. El señor carnicero la tomó para mostrarmela y la lengua del cerdo colgaba por abajo..."¡oh! se le cae la lengua...ja ja ja" -dice el carnicero (gordo, por cierto) poniendo la lengua en su lugar-.Al recibirla, la iba a tomar ligeramente, pero NO SEÑOR, pesa mucho, créame...jajaja.
Me sentí como esos típicos viejos gordos carniceros turbios paseándome con sesos en una mano y en la otra una cabeza.

En el camino recolecté flores y plantas para la cabeza. LLegué a casa de Nicole, a quien le pedí ayuda para el montaje.

Montaje

Locación: mesa de Nico, esa misma donde cocinamos, comemos, bebemos y jugamos karioka.

Costó ponerle las flores al muchacho, se caían.
De repente venía una brisa con olor a jamón podrido, quedó grabado ese olor en mi cráneo...jaja.

Se me olvidó sacarle una foto por detrás, era hermoso...jajaja.

Saqué muchas fotos de distintos ángulos e iluminación desde distintas direcciones, lo único que faltó fue un trípode.
Escogí la que tuviera el mejor ángulo y limpié el fondo, dejándolo negro.

Segundo Proceso

Locación: la mesa de mi casa, esa misma donde mi familia come, ahí mismo donde se sienta mi papá (muajajaja), con la diferencia de que esta vez utilicé una cartulina como "sin fin", ya que los sesos no me daba nervio manipularlos.

Utilicé a una muñeca que no mide más de 5 cm. y se puede desarmar.

Iluminación, cámara en macro y tomas desde distintos ángulos.

Resultado Final

Al final, ví que, pese a que utilizo los mismos elementos, las cabezas con los sesos no funcionaban dentro de una misma serie, por lo que hice dos series; una de sesos, para esta escogí las que más me gustaban y las edité un poco: cambio de color según mi intención, contraste, etc.
La otra serie es de cabezas, para la cual incorporé una foto de la cabeza de un pollo que saqué de una serie de fotos para un "stop-motion" que hicimos de ocio una vez con Nicole (también la edité). A las fotos del cerdo limpié el fondo, dejándolo negro.

Creo que ya sé cual era el problema de la modificación de colores al subirlas acá, estaban en CMYK.

Y la segunda sesión cabezas...

Y para terminar los dejo con una escena del stop-motion (aún no he editado las fotos para hacerlo, está pendiente)

Espirales

Ahora salimos del espacio dentro de la escuela y pasamos a la intervención de un espacio público, lo cual utilizaremos los mismos materiales y estructuras del trabajo anterior (plumavit en base a formas geométricas básicas según un concepto y que éste se una con el objeto del otro grupo). La diferencia, es que, al ser un espacio público requiere de más estudios y hasta permisos; como el flujo de la gente en distintos horarios, etc. Y como en el Land Art, las características del espacio son las que indicarán el concepto a trabajar y la forma que tendrá, rescatando ciertos códigos del mismo, para que el objeto sea coherente con su entorno. De lo contrario, sería un objeto cualquiera que funcionaría en cualquier parte y no respondería a nada. Por lo mismo, fuimos al Parque Bustamante a buscar el lugar apropiado y a tirar ideas.

Escogimos la reja del metro en donde hay una fuerza del viento que quisimos resaltar con un remolino, como una especie de "tornado".

Proceso

1. Soluciones de cómo construir un espiral que de altura mida mínimo 3 m. de alto (espacio amplio) y hacer una foto montaje del proyecto, tuvimos 2 opciones: en dirección hacia arriba, y otra en dirección hacia donde estaría el otro objeto, el cual sería un árbol que mediría 2 m. de alto. Obviamente, escogimos la segunda opción, para que así se pudieran unir.

Lo bueno, es que guardamos los materiales que utilizamos en el trabajo anterior y lo reutilizamos. Escogimos los cubos de plumavit más decentes y los perforamos para ponerlos en el alambre que estaría dentro de una manguera transparente (para que no se vea tosco) y luego formar el espiral, el cual se soportaría con un par de hilos de pescar hacia los árboles.

Nuevos materiales

· 20 m. de alambre.
· 20 m. de manguera transparente.

· Más hilo de pescar.

1. Maqueta para soluciones a problemáticas del objeto y el entorno y dimensiones.

La verdad, la maqueta no la hicimos a escala, no nos dimos el tiempo de cranear bien las coordenadas del espacio, dimensiones y materiales, de buscar otras soluciones...por lo que, al día del montaje tuvimos problemas.
Como por ejemplo, el grosor del alambre de la maqueta, a escala real, debería haber sido una estructura de fierro firme, que se pueda soportar sola. Al igual que el tamaño de los cubos, a escala real serían unos cubos enormes.

Montaje

Evidentemente, por la falta de estudios del espacio y objeto nombrados anteriormente, perdimos el control de la forma. Tratando de formar el espiral soportándose sólo en hilo de pescar y más conexiones por aquí y por allá de hilo. Obviamente faltó más hilo de improviso, fueron a comprar, perdimos tiempo.

Al final, todos trabajamos en el montaje, unos pasando la masa de plumavit para un lado, otros haciendo conexiones hilezcas, yo también para que tome forma y no quede tan deforme. ¡AH!, quizás, con más tiempo hubiera quedado bien, pero se acabó el tiempo y plaf, no se terminó. Se hizo lo que se pudo en el momento, mal eso. Me vengaré, me vengaré!.

Debo decir que el árbol quedó muy muy bello, un trabajo sutil además. Y tuvieron el beneficio de que no les dejaron ponerlo dentro de la pileta y situarlo en otro lugar, ya que se hubiera perdido.

Resultado final

Frank Gehry

Algunos antecedentes biográficos... un poco de copy paste.

Arquitecto nacido en Toronto, Canada, el día 28 de febrero de 1929, luego cambia su nacionalidad a estadounidense.
"Se graduó en 1954 de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y asociados en Los Ángeles. Tuvo que ausentarse durante un año para absolver el servicio militar, y a su regreso fue admitido a la Escuela de Diseño en la Universidad Harvard para estudiar urbanismo. A su regreso a Los Ángeles se incorporó nuevamente al despacho de Gruen.
En 1961, ya casado y con dos hijas, Gehry se trasladó con su familia a París, donde trabajó en el estudio de André Rémonder. Permaneció un año, durante el cual estudió las obras de Le Corbusier y otros arquitectos franceses y europeos, así como las iglesias románicas existentes en Francia.
Cuando regresó a Los Ángeles, Gehry abrió su propio despacho de arquitectura."

Estrategia y método de trabajo

Gehry rompe con el esquema tradicional arquitectónico, sin abandonar otros aspectos fundamentales de la arquitectura, como la funcionalidad del edificio o la integración de éste en el entorno. Juega con los volúmenes, formas y los materiales empleados en las fachadas (generalmente metal), mezclando el arte con la arquitectura con formas escultóricas.

Este arquitecto trabaja en conjunto con diseñadores y artístas y, como todo proyecto, tiene un estudio del entorno, de la forma, funcionalidad, croquis, planos, maquetas, etc.

Primero tira ideas...

Luego estas ideas se concretan en una maqueta, en donde juega con las formas, utilizando trozos de cartones aprovechando así su versatilidad. Para luego ir a una maqueta con la propuesta definitiva, más el estudio de dimensiones y entorno, soluciones, etc.

Hotel Marqués de Riscal, España, 2006.

Disney Concert Hall, New York.

Otras maquetas...

Algunas de sus obras...

Dancing House, Praga, 1994 -1996.

Museo Guggenheim, Bilbao.

¿Diseño?

No solo creó obras arquitectónicas, si no también de diseño como "Easy Edges", una colección de muebles diseñados por Frank Gehry entre 1969 y 1973. Ésta colección la diseña con el mismo procedimiento que hace las maquetas (láminas de cartones).

La silla más conocida de "Easy Edges" es Wiggle Side Chair.
Y para terminar... en una serie de comics que me gustan (http://www.fotolog.com/liniers_macanudo) encontré a Frank Gehry...jaja.

Explosión

Paso del 2D a 3D.

Dejamos de trabajar con una imagen plana que funcione como volumen. Ahora utilizamos un volumen y que este funcione según las coordenadas de un espacio.

El encargo ahora es, primero que nada, hacer 2 grupos en el curso, mi grupo está constituido por 14 personas. Cada grupo debe construir un objeto con plumavit en base a formas geométricas básicas según un concepto o una fuerza y que éste sea coherente con el objeto del otro grupo, que se unan o complementen.

Proceso

El mismo procedimiento de siempre: escoger un espacio dentro de la U , ya sabemos las coordenadas, por lo que no es necesario hacer maqueta, pero sí croquis del objeto y tener en cuenta la forma del espacio, las dimensiones y flujo de la gente.

Escogimos la plaza Bauhaus, ya que el espacio es grande, el objeto debe ser como tal, para que interrumpa y no se pierda.

El concepto de nosotros fue explosión, el otro grupo degradación.

Organización

El encargo fue un día Lunes, en la semana nos organizamos: cómo sería la forma del objeto, dimensiones, cómo construirlo, materiales, costos, compra, tiempo.

Materiales

·Planchas de plumavit
·Hilo de pescar
·Cinta de doble contacto
·Silicona
·Tip-top

Procedimiento
El día Jueves en la tarde nos quedamos trabajando en el taller hasta el otro día.

¿Cómo?

El otro objeto sería un cubo que mediría 1, 50, el cual tendría la forma de una degradación. Lo que hicimos nosotros fue, según la dirección hacia donde estaba dirigido el cubo, unimos hilos de pescar en forma de una explosión o expansión, los cuales tendrían cubos de distintos tamaños; a medida que se alejaba del centro de la explosión, serían más pequeños.




1.Hicimos 3 medidas de cubos: 8 cm., 5 cm. y 3 cm. Un grupo estaba a cargo de eso.

2. Otro grupo estaba a cargo de cortar.

3. Arreglarlos para que queden cubos bien hechos.

Probando...probando...

4. Organizarlos según su tamaño, ponerlos en orden en el hilo para luego montar.

5.Montaje. Enzo y la Jose, como son atléticos, eran los que se subían al techo, árbol y postes para colgar los hilos.

Ya era tipo 5 AM. Dejamos las uniones más complicadas listas y pegamos cubos en los muros y sillas según la dirección de la explosión. Al otro día seguiríamos con el suelo.

Resultado final.

Toda persona que entraba quedaba impactada, se acercaban a preguntaban de qué se trataba, felicitándonos hasta Hugo Grisanti (Director de carrera).
Al 2do de arquitectura les hicieron clases ahí, hablando de nuestro trabajo.

Era agradable la sensación de estar ahí :).

Land Art

Este es un movimiento de arte contemporáneo que surge a finales de los '60 con la idea de salir del museo como exponente artístico, alejarse del modo tradicional y llevar el arte al exterior, a la interrupción de un paisaje. Dentro de su estructura misma, crear grandes construcciones con elementos de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.), el soporte y el material es el propio paisaje existente; como un «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Así, fusionando el arte con la arquitectura,
dejando una marca o huella del hombre con los elementos a la escala de este, determinando el paisaje a su medida; es ahí la cercanía con la arquitectura y el paisaje, el ser humano y la naturaleza.

Estas obras persisten, pero con el tiempo han desaparecido o destruído y de éstas queda el registro fotográfico desde una perspectiva general y/o el registro audiovisual.

Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos al Oeste de Estados Unidos.
Las obras más importantes son las realizadas con equipamientos de construcción como excavadoras, llamadas Earthworks (excavaciones o desmontes).
Como por ejemplo, la obra más importante de este tipo es "Spiral Jetty", construida en 1970 por el escultor estadounidense Robert Smithson.

Los círculos rojos donde están las personas es para dar a conocer la dimensión de estas construcciones.





Proceso de "Spiral Jetty"

-> Entender las coordenadas del espacio apropiado (éste es fundamental en la obra, generalmente es el indicador de qué se puede hacer).

-> Analizar pros y contras, organización.

-> Reproducción gráfica del proyecto según el espacio-tiempo (qué, cómo, cuándo, dónde, quiénes).

-> Reproducción en maqueta a escala para soluciones a problemáticas del espacio.


Montaje

Formas de Land Art

Empleo de materiales de la naturaleza.

El que más me gusta es Nils Udo, quien busca la esencia de lo natural a través de ficciones naturales y lo inicia con el Land Art.
Este artista construye, en base a poemas visuales, espacios artificiales en la naturaleza empleando materiales naturales, como una naturaleza de lo artificial. Después hace una fotografía de esas instalaciones para preservarlas de lo efímero, todas las construcciones que realiza están diseñadas para ser fotografiadas desde un ángulo determinado.

Una de las cosas que más llama la atención en sus obras, además de lo sutil y la minuciosa planificación de todas las construcciones, es la total consonancia que se percibe en el paisaje resultante entre lo que ya existía y lo que él añade. El artificio a veces es tan natural que no se distingue, y nada parece estar fuera de sitio y el paisaje natural y lo artificial guardan una perfecta consonancia armonía.

“Waterhouse”, 1982

“The Nest”, 1978

Otras obras...

Artificio como contraste o resalte de la naturaleza

Christo & Jeanne-Claude

Es un matrimonio de artistas que realiza instalaciones artísticas ambientales a gran escala, las cuales se caracterizan por utilizar telas enormes para cubrir un espacio.
Dicen..." Uno de los numerosos permisos a ser obtenidos en varias agencias de gobierno, además de los 25 rancheros en California y los 459 granjeros de campos de arroz Ibaraki, fue el libro de 200 páginas del Ministerio de Construcción en Tokyo. Ellos trabajaron por un año, junto con nuestros ingenieros, y finalmente otorgarnos un permiso para construir 1340 casas (lienzos con formas creando asentamientos como casas sin muros).[...] hay una diferencia importante entre nuestros proyectos de arte y la arquitectura o planificación urbana usuales, nosotros somos nuestros propios auspiciadores y pagamos nuestros trabajos de arte con nuestro propio dinero, jamás aceptamos concesiones o auspicios.”

Algunas de sus obras principales:

No solo utilizan al paisaje natural como medio, si no que pasan también a la interrupción de un espacio público o urbano.

Parafernalias

El trabajo de ahora consiste en descontextualizar un espacio con la fotografía de un objeto cotidiano en secuencia, para así crear una especie de "juego al ojo" del espectador.

Primer paso

Escoger 10 objetos cotidianos y fotografiarlos con tal luz y posición que de cuenta de su volumen. Luego, tener 3 fotocopias de cada una.



Segundo paso

Escoger el espacio según sus coordenadas; forma, uso, flujo de la gente. No escogí ninguno, ya que el ángulo en que tomé algunas fotos no funcionaban puestas en espacio (como la plancha). El tenedor funcionaba pero Paulina ya estaba ocupando ese objeto
El encargo lo dieron un día Viernes y el Lunes siguiente sería la evaluación.
Tuve un día para escarbar en la crisis creativa, para así el Sábado sacar las fotocopias y cortar .
Saqué una foto de una serpiente en Internet y la edité (la pasé a blanco y negro, contraste y limpié el fondo).


Estuve todo el Sábado con la serpiente , buscando dónde poder imprimirla, ya que no abría en ningún PC por su peso (esta no es la original, ni mi PC tampoco la abre). Hasta que encontré uno "pro" y al fin pude imprimirla. Saqué 80 fotocopias.
Las serpientes saldrían en masa desde un orificio de un muro, por eso la cantidad.

Y claro, como colecciono cosas ortopédicas, ese mismo día Sábado me caí en una escalera y ¡esguince en el tobillo!...no podía caminar... jajaja. No tuve tiempo para cortar las serpientes (médico, relajantes musculares, etc.). Tenía licencia por 10 días, no tenía la seguridad si podía caminar al otro día para ir a montar las serpientes. Mas igual fui a clases después...y toda la semana, no quiero "perder el hilo". Me dieron plazo para el próximo Lunes.

Encontré una imagen en mi PC

Pensé que podía hacer algo parecido... así que busqué muchas imágenes, pero la principal fue una que saqué de una enredadera (Hiedra) y escogí el mismo lugar que ocupé anteriormente.

En un papel craft las pegué, para así llegar y montar...me demoraría mucho pegar una por una.

PERO...se me olvidó lo más importante...sacar una foto a mi trabajo puesto en espacio, Quizás haga una foto montaje y hablaré respecto al resultado final, ya que no me gustó, no funcionaba como una "trampa al ojo", salvo un solo detalle...que fue poner hojas en el corte del papel.
Aunque por ahí escuché... "oh! salieron hojas!".


Estoy pensando seriamente en que, para el próximo trabajo, buscaré soluciones más simples, el resultado final no equivale a toda la parafernalia y gasterío de dinero que hice.
Como por ejemplo el trabajo de Enzo, que con un simple objeto cotidiano, repetido no tantas veces y pese a que los colgadores no estaban muy bien cortados, funcionaba bien de todas maneras y está bien logrado el objetivo de este trabajo.

La frustración

El encargo ahora es hacer una silla a lo Lichtenstein, utilizando auto adhesivos con los conceptos punto, línea y plano. Escoger un lugar dentro de la escuela e intervenirlo en base a un concepto.
La silla estaba agotada en Homecenter, pero Easy la tenía, a $3.900 señores.

Y bueno, para variar, se me ocurrió algo difícil, de proceso minucioso y lento: el camuflaje. (no quise hacer algo a lo Lichtenstein, no me gusta la idea de hacer cosas "a lo..." , prefiero hacer algo propio)

Escogí un muro rojo
Proceso

Partimos proyectando en una foto montaje nuestra idea.
Tuve 2 opciones...

Escogí la segunda opción. El segundo paso era proyectarla en una maqueta.

Y ahora... lo más importante...

¿Cómo?

Lo principal
Tener en cuenta: Color, relieve y textura.

<- Relieve

• Primer intento fallido.

1. Buscar el color -o lo más parecido- utilizando tempera.
   
2. En base al color resultante y tomando en cuenta el relieve, pintar varias hojas con distintas saturaciones.
   
3. Estas hojas, cortarlas en pequeños círculos y estos pegarlos en la silla, desordenados, intentando llegar a la forma del relieve.
   
   
   

<- Detalle

ERROR: Efectivamente, no dio el color, resultó el mismo tono, pero más pálido...

Ahá! He ahí la solución: no vale solo tener en cuenta el color y el relieve, es importante también la textura de la pintura. Como ocupé tempera, estos colores al secarse resultan opacos, por lo que había que llegar a cierto punto de color para que, al mezclarlo con cola fría diera el que busco... Además de llegar al aspecto de la pintura ( un poco brillante).

• Segundo intento fallido.
  
  Lo positivo: Como me eximí del examen de Fotografía y de Historia, tenía tiempo para hacer tranquilamente esto.
  Lo negativo: Un día desperté, me moví un poco y ¡CRACK!....el cuello...Diagnóstico: Tortícolis, usar cuello ortopédico durante 1 semana y hacer reposo.
  Ud. cree que me iba a quedar con las manos cruzadas? Nononono. Estuve en casa...e hice el intento. Fui a la U, estuve toda una tarde tratando de encontrar el color... pintando una prueba, para luego pincelar con cola fría encima, etc, etc.
  
  

Esperando que se secaran....

No hay fotos de este intento, o quizás sí y no lo recuerdo, pero no encuentro.
Tampoco hay fotos de los intentos puestos en espacio, no me animaba a sacar.

Esta vez saqué la mayor parte de los puntitos. Y nuevamente el mismo proceso...
Lo terminé, no dormí en toda la noche anterior a la evaluación, llegué tarde, pero los profes ya se habían ido, por un lado mejor, ya que el color esta vez no dio...con la cola fría dio otro un poco más oscuro y bueno...

• Tercer intento...¡logrado!
  
  Saqué una muestra grande del muro, nueeevamente intenté llegar al color hasta que dio uno muy muy parecido. Esta vez no iba a picar papelitos ni nada de eso, solo pinté blanca la silla, me asusté porque se aglobó y pensé que tendría que hacer todo denuevo, que desesperante fue ese momento... jajaja! Pero no, esperé que se secara y ya estaba listo para ser pintado :)
  
  Probando...probando...

Y el resultado final....Al fin!

Resultado: Ambiguo. jajaja!
Encuentro que igual no funcionó el camuflaje...Quizás debí ponerla como en la primera opción (de pie), o enterrada, no sé. Pero la parte blanca quedó rara. Bue'. :)

Ah, otra cosa....No quise hacer la otra parte blanca ya que estaba concentrada en encontrar el color.

Cuerpos pintados

Tenemos los conceptos (punto, línea y plano) con patrones de la naturaleza, tenemos un referente, que son los Selk'nam con su pintura corporal.
¿Cual es el trabajo de ahora?
Escoger un patrón y conceptualizarlo, representar la fuerza de algo.
Luego nos tomarían una foto (con una pose acorde al concepto), luego imprimirla a tamaño real, en blanco y negro.

Busqué ideas...



La verdad no me gusta eso de buscar ideas o hacerme ideas, busco referentes para ver distintas formas de solucionar. Es muy distinto hacer bocetos en una hoja con proyección a un cuerpo con formas y volúmenes.
Averigué sobre la mitología, seres del bosque... hadas, duendes, etc. Quería representar el bosque interior. Por ejemplo con un solo elemento...el brote del helecho, que a medida q crece se va enredando en un cuerpo, apropiándose de él.

Tengo el concepto y el patrón.

Pretendía extenderme los dedos de las manos y también orejas. Ponerme un gorro de natación para así poder pintarme la cabeza, como una continuidad, que tomaría todo mi cuerpo.

¿Qué pintura utilizar?

Pintura para Butoh. ¿Dónde? "en Maruri, cerca de Bellavista, me dijeron".
Averiguando, fuí. Preguntando, llegué. Era una casa cualquiera, de esas antiguas, a los alrededores de Estación Mapocho, en donde una señora tiene una pequeña maletita llena de pinturas para teatro.
Un día Lunes... abriendo su cajita de pinturas...

Yo: Nono, necesito pintura para Butoh.
Señora extraña: Pero esas tienes que mandarlas a hacer 2 dias antes.
Yo: Las quiero mandar a hacer hoy, para venir a buscarlas el Miércoles.
-silencio-
Señora extraña: ......ya.
Naty: yo quiero una blanca y una negra y ella quiere una blanca y una negra.
Señora extraña: ya.

Salimos de esa casa, caminamos dos cuadras.
Yo: ¿Habrá entendido la señora?
-nos detuvimos-
Naty: no se... ¿Qué hacemos?
Yo: me da miedo volver, y muero si llegamos el Miércoles y solo tiene una de cada una!
-pensando qué hacer-
Cri...cri...cri... -el pololo de Naty se ofrece-

Miercoles tipo 6-7 de la tarde, despues de un LARGUÍSIMO y AGOTADOR día, tacos, sobrepoblación, cansancio, hambre, estrés y miedo porque ya era de noche y teníamos que ir a buscar las pinturas a ESTACIÓN MAPOCHO, da igual, el problema es que andaba con dos cámaras, las cuales escondí en mi pecho..jaja!.
La señora no abría la puerta, ya estaba por ponerme a llorar.. jaja!... ¡Hasta que por fín abrió!, la verdad es que yo también dudaría en abrir si viviera ahí y alguien toca la puerta de noche. ¿Ud. abriría confiadamente? no pue'...

POR FÍN! Tenemos las pinturas!

Practicar un poquito...


Sí...creo que lo haré así.... en lo que tenía proyectado en los bocetos me parecía muy lineal y no me evoca continuidad, además se perdía el patrón.


¡Problema de última hora! El gorro de natación es fucsia, absorbe la pintura y queda rosado. ¿Qué hacer? ¿Me pongo alambres con la forma del patrón en la cabeza, para así seguir esa continuidad ? ¿y cómo los sostengo en mi cráneo? ¿pinches? ¿qué hago con mi pelo? ¡SE PERDERÍA MI IDEA DE PINTAR MI CRÁNEO! ¡NOOOOOOOOO!
Cuando de repente vino la señora panty blanca a visitarme, me dio la idea de que la pusiera en mi cráneo. Buena idea señora panty, gracias por su ayuda :).

Llegado el gran día, tipo 8 de la mañana, al otro día desperté resfriada, ya que estuve sin ropa toda la mañana, con estufa en la sala y de vez en cuando tenía que salir.

Encuentro un poco extraña la idea. El trabajo era de a dos, cada una diseña lo que se pintará en su cuerpo, y mi compañera me pintaría lo que yo diseñé y viceversa, la idea era trabajar con un ayudante.
Al final me pinté sola, ya que no es la misma mano, sea como sea, no quedaría como yo lo proyectaba (además nadie entiende cómo hacer esa trama).
Me faltó tiempo y, como cambié mi diseño, no practiqué la pose, no sabía qué hacer con mi cara. Al carajo, llegué al estudio, nerviosa, al final... supongo que parezco una estatua.
Pero el diseño quedó muy lindo.

Selk'nam

Fuimos a una exposición fotográfica y audiovisual en el Centro Cultural Palacio La Moneda, de este pueblo indígena de los territorios Australes (más o menos por el Estrecho de Magallanes).
En 1881 eran alrededor de 4.000 personas. En 1883 comenzó la explotación ganadera con la concesión por parte del gobierno chileno de las primeras estancias a particulares. En 1888 se estableció una misión salesiana en isla Dawson con el propósito de evangelizar y civilizar a los indígenas y pagarían por cada indígena recluido en la misión. En 1891 la población había disminuido a no más de 2.000 personas, y así sucesivamente hasta que este pueblo desaparece por completo.

El fotografo Martín Gusinde fue testigo de la particular cultura de este pueblo. Esta cultura, poseía un amplio mundo espiritual manifestado en ceremonias como el Hain, ritual de iniciación sexual en el que se revelaba a los adolescentes ciertos secretos tendientes a preservar su orden social: el patriarcado. Se pintaban los cuerpos en base a un concepto, representando algo en especial y, a esto quería llegar con el texto anterior...¿de dónde cree usted que sacaron sus diseños? ¿acaso tenian un notebook y buscaron diseños ahí? no señor, de la misma naturaleza, simplificando sus formas. El Hain es un ritual conformado por las representaciones de la naturaleza, los cuales eran personificados por hombres enmascarados y sus cuerpos pintados de distintas formas, para no ser reconocidos, por medio de una danza, asustando.
Utilizaban pintura de cortezas de árboles, en colores rojo y blanco (entiéndase por blanco)

ULEN, agil y rápido como el viento.Pintura corporal para la ceremonia del Hain (iniciación de los adolescentes). M. Gusinde, 1923.

Tanu.

Keternen. También utilizaban plumas.


¿Alguna relación con algo de la actualidad?

Paisaje a lo Yellow Submarine

En base al trabajo anterior, con las texturas que diseñamos a base de patrones de la naturaleza... es exactamente lo mismo que hicimos con el catálogo, que posteriormente generamos un volumen por medio de texturas con distintas densidades, pero esta vez el encargo es la separación o diferenciación de planos por medio de texturas según su densidad, forma y dirección. La clave es, si por ejemplo en el cielo utilizo una textura lineal, en las nubes utilizaré plano, para así separar planos y generar un volumen.

Me costó escoger cual utilizaría para cada plano, probé varias veces.



Quise alejarme de mi modo de traducir exactamente al original (sin dejar de lado la minuciosidad). En resumen me solté y me abstraje un poco, como por ejemplo en el pasto, no quise imitar la textura del pasto, utilicé otra totalmente distinta y funciona. Sería una lata ver puros puntitos...




Hasta que finalmente decidí cómo hacerlo... (aunque el árbol me quedó extraño, creo)


Y el original?



Detalles Sr.?

Pupila en macro

¿Se han preguntado de dónde sacan los diseños? ¿los papeles de regalos? ...¿de la nada? al señor diseñador de la nada se le pasó por la mente un patrón que luego repetiría para formar una trama de diseño? no señor, no no no.
Yo creo que el hecho de que existan tantas cosas que faciliten la vida (tecnología), que inhibe nuestra capacidad de observar, de factor sorpresa, de percibir.
¿Cómo lo hacían esta gente de pueblos primitivos para crear sus propios diseños? y no cualquier diseño, hay toda una historia detrás de ese diseño, un concepto...... pues tenían un poder de observación impresionante.
Cómo se fijaban de la estructura de la naturaleza, como una pupila en macro, cada detalle, de eso sacar esa estructura, un patrón que da la forma, y de ese patrón formar su propio diseño y el concepto depende de donde provenga, de la fuerza de este. Por ejemplo en telas de arañas, en el ojo de una mosca, panal de abejas, flores, etc!
Claro, ahora caminan como si tuvieran de esas cosas que le ponen a los caballos en los ojos (no recuerdo el nombre, lo siento), toman el metro, llegamos a nuestras casas con el celular en mano, para sentarse al frente de este aparato, buscar en Google "naturaleza" y listo! un millón de imágenes, elegir un par e imprimir, ese fue todo el súper estudio de observación.
Podrían haber dicho "vayan a parques, observen, estudien su estructura, saquenle alguna foto, y creen sus propios diseños"
Bueno, admito que no hay tiempo. Pero creo que eso abriría más los ojitos.
¿Acaso se perdió ese gusto por observar?
cri...cri...cri....

Recordé una visual que hice para Tutoría, que justamente trata de la naturaleza que no vemos, tanto en el interior como el exterior. (el montaje está mal, no va acorde al ritmo)




Esta vez, el trabajo consiste justamente en buscar 10 imágenes de naturaleza, sacar un patrón y con este crear diseños .
Lo que me molestó es que no hayan puesto nota porque la mayoría no lo hizo bien.
La noche anterior no había dormido haciendo eso y al otro día estaba muerta y tenía que hacer más trabajos.

Trabajo finalizado:

(falta la otra página, pronto los subiré)

Pediré disculpas por no subir los trabajos a medida que los hemos hecho, mi cámara está mala y no siempre me puedo conseguir una, mi mp4 murió y perdí todo, no he tenido mucho tiempo además. Pero ya me estoy poniendo al día :)

Esta fue una introducción y el proceso de un próximo trabajo.

Pixeles de papel

¿Que qué tiene que ver las texturas con Chuck Close?

El trabajo de ahora consiste en hacer un autorretrato y generar volumen por medio de las texturas que sacamos en el trabajo anterior, que, posterior a ese trabajo, tuvimos que escoger solo 10 texturas desde la menos saturada a la más saturada, y de cada una, sacar 10 fotocopias. (las texturas más densas o saturadas, obviamente, darían profundidad, sombra. Al contrario, las texturas menos densas darían brillo e interactuando ambas generarían un volumen)

Me inspiré en Chuck Close, en su método de construir un autorretrato pixel por pixel, más mi minuciosidad. Creo que mi personalidad no me permite hacer los trabajos "a la rápida" o simple.
El proceso fue muy muy lento. Varias noches sin dormir, mucha cafeína y paciencia, a ratos llegaba a odiarlo por ser interminable, más aún cuando estaba muy metida en el trabajo tipo 5 de la mañana y se acaba el stick fix o se acaba el papel. Y en cada fotocopiadora salen distintas! por lo que tuve que sacar en varias partes, probar con otras texturas porque la que estaba ocupando jamás salió igual, hasta que un amable señor probó con el aparato fotocopiador, ajustando algo para que salieran lo más cercano a las que estaba ocupando.
Más que estaba en mi pieza y me miraba diciendo "no tengo boca, te falta hacerme la nariz, te falta arreglarme esto, te queda poco tiempo".
Pero valió la pena... nota? 70 pue'! :)

Recomendación: no consuman tanta cafeína porque les dará un corte circuito. A mi me pasó justo en la noche anterior del día de la entrega y no pude ir.

Proceso:

Pixel por pixel...

Aquí me faltaba arreglar las cejas, que estaban muy oscuras y no se ve que salen de la piel.
También tendría que cortar abajo, ya que quedé sin cabeza.

Avanzando...


Detalle del ojo

Cansada del rostro, comencé con el pelo.

Terminando el pelo, al fin

Rostro finalizado, solo faltaban detalles en el pelo , arreglar un poco la boca, etc

¡¡¡Autorretrato Finalizado!!!

Nombre de la foto: lo que me robó el cerebro.
Aquí me faltaba ponerle sombras a la boca, se ve muy plana.
Creo que lo que más me costó hacer es la nariz, no se si la nariz en sí o mi nariz es la complicada, pero tiene muchas sombras de distintos matices y brillos en varias partes.

Se ve algo pobre de sombras, pero intenté traducir la foto, en la cual llegaba mucha luz en mi cara(no la subiré porque me da verguenza).

Y por último...

El des(orden) que solo yo entiendo

Pixeles

Chuck Close (su nombre real es Charles Thomas Close, nacido el 5 de Julio de 1940 en Monroe, Washington, EE.UU.) es un pintor y fotógrafo fotorealista.
La mayor parte de sus obras son enormes retratos basados en fotografías (técnica del fotorealismo o hiperrealismo).





Su método

Para crear sus obras, Close pone una malla sobre la foto y sobre el lienzo y copia celda por celda. Sus primeras herramientas para ello incluían un pulverizador, retazos de tela, cuchillas, y una goma de borrar montada sobre una máquina taladradora.
Su primer gran cuadro con este método fue su Gran Autorretrato, una ampliación de su cara en blanco y negro sobre un lienzo de 2.73 m por 2.12 m realizado durante cuatro meses en 1968.






Produjo otros siete retratos en blanco y negro durante este periodo. Se dice que mencionó utilizar pintura tan diluída en el pulverizador que los ocho cuadros se realizaron con un único tubo de acrílico negro.

Close ha regresado a menudo a las mismas fotos para pintar una y otra vez con técnicas diferentes. Una foto de Philip Glass se incluyó en su serie en blanco y negro de 1969, rehecha con acuarelas en 1977, de nuevo rehecha con tampón y huellas en 1978, y también con papel gris hecho a mano en 1982.







1969



1977




1982


Su trabajo posterior se ha ramificado en mallas no rectangulares, regiones de colores similares tipo mapa topográfico, trabajos en mallas de color CMYK, y el uso de grandes mallas para hacer obvia la naturaleza celular de su trabajo incluso en pequeñas reproducciones -- el Gran Autorretrato está hecho con tanta perfección que incluso una reproducción a toda página en un libro de arte no puede distinguirse de una fotografía normal.


¿Más obras de Chuck Close?





Lucas (1986 - 1987), acrílico en lona.



Mark (1978 - 1979), acrílico en lona.

Bob.












¿Que qué tiene que ver esto con texturas?

Ya verá, ya verá...

Texturas

Más allá de la textura táctil, también existe la textura visual, que se encuentra en todo lo que nos rodea, desde un objeto hasta en un grupo de gente o trama urbana, como por ejemplo:



Fotos satelitales de Santiago.

Esta está compuesta por más texturas, como por ejemplo una baldosa:

Como verá, señor, estas tienen distintas formas, y estas, distintas direcciones, densidad y tamaño. Las texturas son la trama de un patrón que puede ser punto, línea o plano y variantes de estas, formando un diseño.




¿En qué consiste el trabajo?

Sacar (con carboncillo y papel mantequilla) las texturas que más encontremos, dentro de esta clasificación y luego hacer un catálogo de texturas.

Todos los días con carboncillo y papel en el bolso por si encontraba alguna textura que me sirviera, toda una tarde en el Homecenter, luego otra tarde en el Easy y manos negras, ja!
Pero me entretuve, nunca me había percatado de que se clasificaban de esta forma.
Bueno, ahora que lo sé, me obsecioné y me fijo en todas las cosas y de cómo están compuestas y a que clasificación corresponden, jaja!

Plano->

Punto->

Línea->






Catálogo Terminado:



ERROR: Mala utilización de tipografía, la idea era formal, cosa que hice todo lo contrario, puse mucho y se tornaba confuso y además se pierde el contenido.

Recordar: Las cosas se aprecian más cuando estas se complementan con un opuesto.
Que qué quiero decir con esto... por ejemplo en este caso, debí haber utilizado una tipografía mucho más simple.

La Interacción del color

El 3er trabajo, teníamos que "pintar" una pintura (valga de redundancia) de Monet, no copiar, si no que traducir, pero con telas. Un proceso lento. La mitad de mi cerebro quedó ahí, pero con cafeína y mucha paciencia lo hice. La idea es disfrutar haciendo esto, no tomarlo como un deber tedioso.

Fui detalle por detalle, color por color, poco menos hilacha por hilacha, partiendo desde un punto sin tener el dominio completo, pero teniendo en cuenta las formas y las proporciones, llegando al objetivo:

Y el original?


Quise hacerlo así ya que, cada detalle, cada punto de color, al mezclarlo o estar al lado de otro hay una interacción, formando uno solo. Esto da efecto al observarlo de lejos.
No creo que Monet haya pintado todo verde y por encima haya agregado más colores. Ahí hay un proceso, y en ese proceso Monet fue mezclando e incorporando más colores, y no cualquier color, si no que colores primarios o puros (característico del impresionismo) y he ahí donde estos interactúan.

Y más que un trabajo de interacción del color, es también un trabajo de observación, como tener el cuenta las pinceladas, las sombras al dar relieve y luces.

Impresionismo

Este movimiento se desarrolló en la segunda mitad del siglo XIX en Europa (principalmente en Francia).
Se caracteriza por plasmar la luz y el instante, independiente de las formas con "identidad" como lo hacían pintores antes de que surgiera este movimiento.
Los impresionistas pintarán el momento de luz, más allá de las formas que subyacen bajo éste.
Este movimiento nace con Claude Monet, con "soleil levant", 1872–1873. (siguiente imágen).
Su importancia es clave en el desarrollo del arte posterior, especialmente del postimpresionismo y las vanguardias.

Técnica y estética impresionista

·Colores puros

La segunda mitad del siglo XIX presenció importantes evoluciones científicas y técnicas que permitieron la creación de nuevos pigmentos con los que los pintores darían nuevos colores a su pintura, generalmente al óleo. Los pintores consiguieron una pureza y saturación del color.A partir del uso de colores puros o saturados, los artistas dieron lugar a la ley del contraste cromático, es decir: «todo color es relativo a los colores que le rodean».
y la ley de colores complementarios enriqueciendo el uso de colores puros bajo contrastes, generalmente de fríos y cálidos. Las sombras pasaron de estar compuestas por colores oscuros a estar compuestas por colores fríos o desaturados que, a la vez, creaban ilusión de profundidad. Del mismo modo, las luces pasaron de ser claras a ser saturadas y cálidas, resaltando del fondo.
Para definir la forma, su riqueza de color les permitió afinar el volumen mediante más matices lumínicos, creando luces dentro de las zonas de sombra y sombras dentro de las zonas iluminadas recurriendo únicamente al uso del color.
Un buen ejemplo del uso de los colores saturados para luces y sombras indistintamente lo encontramos en el cuadro La catedral de Ruán de Claude Monet.
(si se dan cuenta, solo utilizó dos colores)

·Pincelada Gestáltica

El uso de pequeñas pinceladas de colores puros resultó en un todo vibrante; y, aunque las pinceladas aisladamente no obedecieran a la forma o al color local del modelo, en conjunto —al ser percibidas global y unitariamente— adquirían la unidad necesaria para percibir un todo definido.

·Forma

Los artistas impresionistas buscarán condiciones pintorescas de iluminación como retos a su genio, recurriendo a iluminaciones de interior por luz artificial a iluminación natural filtrada —como Auguste Renoir y la luz pasando entre hojas de árboles— o la iluminación al aire libre con reflejos en el agua o multitudes de gente como Claude Monet.
Así las formas se diluyen, se mezclan o se separan de forma imprecisa dependiendo de la luz a la que están sometidas, dando lugar a esa «impresión» que le da nombre al movimiento.

Claude Monet, Parlamento de Londres.
Pinceladas lineales de colores puros dan lugar a una visión unitaria de atmósfera y gradación de cálidos a fríos.

Auguste Renoir, La Balançoire.
La plasmación de la luz sobre el cuerpo es más importante que la descripción de su forma.

La variación del verde

Bueno... primero que nada, partiré explicando por qué escogí este color, ya que no es algo nuevo para mi. Hace un tiempo, mientras observaba desde una gran altura en Valle de Elqui y en mis largas caminatas, me di cuenta de que hay un millón de variaciones de este color, en los árboles, en el agua, etc. Ningún verde es igual a otro, cada uno es único. Nunca antes me había percatado de eso.

Para este trabajo... partí buscando objetos de este color en mi pieza, junté varios y los llevé, los junté en la tela sin orden alguno y el resultado fue el siguiente:

La mayoría de los objetos, o no necesariamente el objeto, si no que algunos en conjunto representan algo en mi. No entraré en tanto detalle de cada uno ya que no es necesario, solo contaré que los dulces me saben a mi infancia; aún me recuerdo cuando tenía 2 años, sentada en las piernas de mi abuelo y él siempre tenía de esos dulces, yo le pedía y mi abuela (vieja amargada) le decía que no me diera, pero mi abuelo no le hacía caso y siempre me daba :).
Los dulces salen desde donde comienza la lana y estan repartidos por toda la tela, lo que significa que siempre tengo presente mi infancia (como mencioné en el trabajo anterior). Y no es porque haya tenido una infancia color rosa... hay algo más ahí (no, nada trágico).

Bueno, ese fue el paréntesis. El punto es que la idea de este trabajo es que usaramos como soporte esta tela y que todos los objetos cotidianos unidos en ella llegaran a saturar este color y pudieran hacer una "vibración" dentro de un solo color.
Por lo mismo, faltaban más objetos, lo cual no quise utilizar muchos más así que trabajé prácticamente con lo que tenía, solo añadí papeles, algún sobre de tapsin por ahí, bolsa, etc.
Comencé dibujando con la lana, luego con una cinta, luego poniendo los objetos sin un orden específico, pero en el proceso fue tomando forma. Finalmente, llenando cada espacio con detalles mínimos, sin sobrecargar, pero sí cumpliendo el objetivo del trabajo: